HOLLIS FRAMPTON
Las películas de Hollis Frampton son un reflejo de su prodigiosa capacidad de erudición y de su amplio abanico de intereses, que incluye las lenguas clásicas, la filosofía, las matemáticas y la historia del cine, así como todos los campos que se fueron acumulando en su evolución artística desde la poesía, pasando por la fotografía, hasta el cine experimental. En la obra de Frampton, el lenguaje es a la vez motivo y agente, y la tensión entre palabra e imagen constituye la fuerza motriz de la mayoría de sus películas más conseguidas. Asimismo, la combinación de imágenes fijas y en movimiento -una relación paradójica que constituye la esencia del cine y es particularmente relevante para la práctica artística contemporánea, en la que intervienen el vídeo y la fotografía- se explora continuamente en las películas de Frampton y se pone al servicio de un constante e inquisitivo planteamiento sobre la naturaleza fundamentalmente disyuntiva de la experiencia y la percepción, en consonancia con la creencia de Frampton que el cine es una «metáfora de la conciencia».
Frampton no se dedicó al cine hasta que tuvo cerca de 30 años. Estudió idiomas y literatura, y su primera aspiración era convertirse en poeta, pero un breve periodo juvenil junto a Ezra Pound le llevó a abandonar la poesía. En Nueva York, al final de los años cincuenta, mostró interés primero por la fotografia, antes de iniciarse en el mundo del cine a mediados de los sesenta. En esta ciudad se sumergió en los movimientos artísticos de la vanguardia contemporánea del momento. Los elogios de la crítica sobre su primer largometraje, Zorn Lemma, lo situaron como uno de los principales exponentes del cine experimental norteamericano, y una serie de ensayos teóricos y críticos de los años setenta sobre cine y fotografía confirmaron esta posición, al presentar una mezcla de erudición, inteligencia y humor irónico. Durante los años setenta, Frampton trabajó casi exclusivamente en su última e inacabada película épica, Magellan, antes de morir de un cáncer de pulmón en 1984.
Incluso las primeras películas de Frampton ya rehuían la narrativa y adoptaban sistemas basados en disciplinas como las matemáticas y la lingüística, para sus estructuras organizativas. A menudo, sus películas también evitan las capacidades ilusionistas tradicionales del medio, a favor de sus aspectos físicos y mecánicos, como se demuestra cuando Frampton araña, empalma, tiñe el celuloide o dibuja encima. Este enfoque de la manera de hacer cine hizo que Frampton fuera clasi fi cado como uno de los cineastas estructuralistas, un movimiento que incluía directores como Paul Sharits, Ernie Gehr y Tony Conrad. Sin embargo, las películas de Frampton -incansablemente eclécticas, activas, autobiogràfi as y líricamente poéticas- se resisten a la simple catalogación, y su grado de complejidad es tan alto, que todo intento de síntesis es un ataque a la experiencia fílmica propiamente dicha. Pero, a pesar de su complejidad intelectual, las películas de Frampton consiguen alcanzar una poesía visual que sólo el cine puede ofrecer.
Fuente:
MACBA
Los 60 (I)
Las primeras películas de Hollis Frampton que se conservan -unos cuantos de los filmes más antiguos se perdieron o destruirlo muestran enseguida la radicalidad de su aproximación al medio y, al mismo tiempo, indican claramente la dirección que tomarían sus películas posteriores, mucho más elaboradas. Process Red, States y Maxwell 's Demon rehuyen las técnicas narrativas tradicionales y se basan en sistemas y conceptos adoptados de la ciencia y las matemáticas para sus complejas estructuras. En Heterodyne y Information, la manipulación física de la misma película en el proceso de edición es tan extrema -el celuloide es arañado, teñido, perforado, empalmado, etc.- que en su forma final es prácticamente un objeto «hecho a mano». En Manual of Arms, Snowblind y Surface Tension, actuaciones coreografiadas filmadas de artistas, poetas y bailarines como Carl Andre, Twyla Tharp, Michael Snow y Kasper König, reflejan la vida personal de Frampton y su implicación en la escena vanguardista de la ciudad de Nueva York de aquella época. Y en todo ello, el inquisitivo planteamiento filosófico de Frampton sobre la capacidad específica de la película para reflejar las paradojas y disonancias de la percepción y la experiencia resulta siempre evidente. Como dijo Frampton mismo en 1966: «Tengo la sensación de ir a toda brida.»
Manual of Arms (1966, 17', b/n, sin sonido)
https://www.youtube.com/watch?v=PPQE5fgphAE
Process Red (1966, 3' 30'', color, sin sonido)
https://www.youtube.com/watch?v=qwTRfM8zSoA
Information (1966, 4', b/n, sin sonido)
https://www.youtube.com/watch?v=BdqPC-dIHUM
States (1967-1970, 17' 30'', b/n, sin sonido)
https://www.youtube.com/watch?v=eNYeB5hUqDM
Heterodyne (1967, 7', color, sin sonido)
https://www.youtube.com/watch?v=KI2e0w8LEVs
Snowblind (1968, 5' 30'', b/n, sin sonido)
https://www.youtube.com/watch?v=S3GYYmIWQHQ
Maxwell's Demon (1968, 4', color, sin sonido)
https://www.youtube.com/watch?v=ACEJ1yXaV6g
Surface Tension (1968, 10', color, sonido)
https://www.youtube.com/watch?v=6U6A-bjeMh4
Los 60 (II)
En 1969, Frampton completó seis películas que representan tanto una fluida continuación de sus primeros trabajos como una anticipación de los que vendrían. A Palindrome, Works and Days y Lemon, Frampton explora los principios artísticos compartidos de la evolución artística de la vanguardia contemporánea en danza, pintura y escultura. A Prince Ruperts Drops, Frampton avanza en su estudio de la paradoja fundamental subyacente al medio de las imágenes «en movimiento», mientras que Artificial Light y Carrots and Peas marcan una profundización de su exploración de los mecanismos que entrelazan la acción de hacer películas y la acción de visionarlas. En conjunto, las películas de los años sesenta representarían lo que Bruce Jenkins, especialista en Frampton, calificó como el periodo «precrítico» del cineasta: el período durante el cual Frampton estableció los principios en que se basarían los trabajos más importantes de el inicio de los años setenta.
Palindrome (1969, 22', color, sin sonido)
https://www.youtube.com/watch?v=I71DAROs6Og
Carrots & Peas (1969, 5' 30'', color, sonido)
https://www.youtube.com/watch?v=5iQG7b7MLG8
Lemon (1969, 7' 30'', color, sin sonido)
https://www.youtube.com/watch?v=6gnz1pIy6l4
Prince Ruperts Drops (1969, 7', color, sense sonido)
https://www.youtube.com/watch?v=lo2bd3KA1sg
Works and Day (1969, 12', b/n, sense sonido)
Artificial Light (1969, 25', color, sin sonido)
https://www.youtube.com/watch?v=T25WqM6OFDg
Zorn Lemma
El primer trabajo de larga duración de Frampton, Zorn Lemma, es considerado, en general, su obra maestra. La película hace una síntesis acertada de las diversas inquietudes intelectuales de Frampton -matemáticas, filosofía presocrática, lingüística, autobiografía- en una singular experiencia audiovisual de 60 minutos: más que ninguna otra película, nos muestra el concienzudo estudio que hace Frampton de la relación ontológica entre lenguaje e imagen. El filme se inspira en la teoría matemática de los conjuntos para el concepto en que se basa, como también para el título, y está dividida en tres partes: la primera consiste únicamente en una banda sonora de voces que recitan las reglas mnemotécnicas de un manual de ortografía de una escuela de secundaria; la parte muda central es una secuencia construida métricamente y ordenada alfabéticamente de imágenes de palabras encontradas en paisajes urbanos de Nueva York, que son sistemáticamente reemplazadas por una sucesión de imágenes sin palabras, generalmente obtenidas de la naturaleza y las actividades de la vida cotidiana , y la tercera parte muestra un hombre y una mujer que desaparecen en un paisaje nevado, mientras que la banda sonora emite un disonante coro de voces femeninas que recitan un texto medieval en latín sobre la naturaleza de la luz. Y, con toda esta intelectualizada complejidad al estilo de una fuga musical, el lenguaje visual es poético hasta llegar al lirismo, lo que genera un atractivo e incluso hipnotizador tour de force que, en palabras del crítico de cine P. Adams Sitney, «es del todo único en su género».
Zorns Lemma (1970, 60 min, sonido)
https://www.youtube.com/watch?v=y-MPQFMMr9Q
Hapax Legomena (I)
Tras la aclamada crítica obtenida por Zorn Lemma, Frampton se dedicó a proyectos cada vez más ambiciosos de películas de varias partes, como Hapax Legomena (el título es un término filológico griego que se refiere a palabras que sólo aparecen una vez en la literatura griega existente). En su totalidad, Hapax Legomena consiste en siete películas independientes, que en conjunto duran casi tres horas y media de tiempo de pantalla. Las tres primeras películas de la serie, Nostalgia, Poetic Justice y Critical Mass, son las que tienen una orientación más lingüística. Nostalgia -una de las películas más populares y más consideradas de Frampton- muestra una secuencia de fotografías fijas que se queman en un fogón. A medida que se quema cada foto, una voz de la banda sonora comenta la fotografía siguiente de la secuencia, con lo cual se crea un entramado de discordancias: entre palabra e imagen, entre fotos fijas e imágenes en movimiento, y entre pasado, presente y futuro. La imaginería fílmica de Poetic Justice consiste, literalmente, en lenguaje escrito; la película muestra la acumulación de las páginas de un guión cinematográfico manuscrito que describe otra película narrativa que el espectador / lector debe imaginar. Y Critical Mass retrata un hombre y una mujer en medio de una agria pelea doméstica, mientras sus voces a la banda sonora tartamudean y se repiten, ligeramente desincronizadas, de manera tan tortuosamente obstinada como la misma discusión
Nostalgia (1971, 36', b/n, sonido)
https://criticalcommons.org/view?m=AiYfLSKkB
Poetic Justice (1972, 31' 30'', b/n, sin sonido)
https://www.youtube.com/watch?v=-rIXtiz_yhQ
Critical Mass (1971, 25' 30'', b/n, sonido)
https://www.youtube.com/watch?v=q8g-Pf36Hxw
https://www.youtube.com/watch?v=R3OdHwGb-jU
https://www.youtube.com/watch?v=LY7mSHCkvhQ1
Hapax Legomena (II)
Las últimas películas de la secuencia de siete partes de Hapax Legomena, aunque conservan en buena medida el vocabulario de trabajos anteriores de Frampton, marcan un cambio de rumbo en su práctica fílmica, hacia un aumento de la fluidez y la ambigüedad. Travelling Matter es la primera experiencia de Frampton con el vídeo y, en consonancia con la movilidad del medio, se estructura por completo alrededor del movimiento al aire libre. Ordinary Matter continúa con el motivo del movimiento, pero con un alcance más amplio, a través de continentes y a través de la historia, desde Stonehenge, pasando por el puente de Brooklyn, hasta un campo de maíz; mientras tanto la voz de Frampton en la banda sonora recita entradas de un diccionario chino. Remote Control (inicialmente un vídeo) utiliza un imaginario televisivo muy editado y manipulado según unas estructuras matemáticas: Frampton mismo lo llamó «un resumen barroco de los conflictos internos históricos de la película». Y la semiabstracta Special Effects muestra otro caso del estudio que sigue haciendo Frampton de la naturaleza de los elementos del encuadre, y una intensificación de la intención de Frampton de incrementar la participación de los espectadores.
Travelling Matter (1971, 33' 30'', b/n, sin sonido)
Ordinary Matter (1972, 36', b/n, sonido)
https://www.youtube.com/watch?v=L6gAPy79SPo
Remote Control ([Control remot] 1972, 29', b/n, sin sonido)
Special Effects (1972, 10' 30'', b/n, sonido)
Solariumagelani
La última actividad fílmica de Frampton se dedicó casi en exclusiva a una ingente obra épica titulada Magellan. Aunque no se acabó, Magellan debía estar constituida por casi 36 horas de película y se tenía que proyectar a lo largo de 371 días: debía ser, según Frampton, «la película más larga de la historia ». La mayor parte de Magellan consiste en cortos de un minuto, aunque los momentos cruciales en el calendario solar -los solsticios y los equinoccis- debían ser conmemorados con películas más largas, tres de ellas terminadas cuando Frampton murió. Filmadas en lugares de trabajo -una granja lechera, un matadero y un molino de acero-, el movimiento de la cámara, rápido y coreografiado, tiende hacia la abstracción pictórica. Al mismo tiempo, con su seguimiento de los ciclos del nacimiento y de la muerte, así como de la evolución histórica en la tecnología y en el arte, forman parte de la constante reconstrucción que hace Frampton de una historia alternativa del cine.
Autumnal Equinox (1974, 27', color, sin sonido)
https://www.youtube.com/watch?v=9RtyGGI07Qw
Winter Solstice (1974, 33', color, sin sonido)
https://www.youtube.com/watch?v=9A4R_E_BjnM
Summer Solstice (1974, 32', color, sin sonido)
https://www.youtube.com/watch?v=kHItcnpMgtw
Magellan: At the Gates of Death
The Red Gate y The Green Gate siguen 24 encuentros con la muerte en forma de estudios fílmicos de cadáveres y partes de cuerpos. Estas películas se caracterizan por un movimiento incesante e incluso obsesivo, ya que la cámara bascula, hace zooms y desenfoca de manera intencionada las imágenes. Como en los primeros trabajos de Frampton, las películas se manipulan físicamente en el proceso de edición para crear un complejo entramado de varios estratos de imaginario que a menudo se aventura a adentrarse en la abstracción. Aunque inicialmente el material de Red Gate y The Green Gate se pensó para mezclarlo con el ciclo de proyección de Magellan a lo largo de todo un año, en su último recoge como obras independientes proporcionan una poderosa exhibición complementaria del singular estilo de virtuosismo cinematográfico de Frampton.
The Red Gate (1976, 54', color, sin sonido)
The Green Gate (1976, 52', color, sin sonido)
