Cinefórum-Clásico

Kima escribió:Sinceramente no entiendo tanto entusiasmo con Xavier Dolan.
A mi me han dejado bastante fría las dos películas. Se dejan ver.

A mi ayer me pasó lo mismo con



Shame (McQueen, 2011)

Lee uno que va sobre la adicción sexual. Por de pronto el término ya es equívoco, porque los especialistas no se ponen de acuerdo en como llamarlo (conducta sexual compulsiva, adicción sexual, desorden de los impulsos sexuales) y ni siquiera está oficialmente clasificado. Luego tampoco importa demasiado porque no existe la intención de lograr una descripción naturalista de tal conducta. Más bien sucede lo contrario, que se termina cayendo en el tópico.

Ahí va el primero: la asociación entre "adicción sexual" y trabajador de "cuello blanco". El "vicio" como privilegio de clase. Hombre, pues no estaría de más echarle un ojo a los datos epidemiológicos, si los hay, y verificar planteamientos. Porque de hecho, esa profesión ejecutiva que el protagonista tiene no añade nada al desarrollo de la historia.

Segundo topicazo: la conducta es tan sumamente compulsiva que el protagonista siempre va a parar con señoritas de buen ver, profesionales o no. Por doquier la sofisticación (hoteles, restaurantes, ropas, música clásica) envuelve al trastorno. Intenta el director salvarlo con ese pequeño "viaje a los infiernos" del final (pelea, cuarto oscuro) pero ya resulta demasiado tarde. Tarde porque el juguete a estas alturas se ha convertido ya en una fantasía para heteros blancos.

Al margen de todo eso, me sobra totalmente la hermana del protagonista y, por supuesto, la escena de la canción en el club (por larga y obvia). Supongo que se ha buscado otro personaje más para llenar las escenas y facilitar un final. Por cierto, final que no encuentro redentor. Y quizá sea esta la única virtud de la película: que la vergüenza sólo está en el título.

En resumen, que no entiendo los elogios y los premios.

pues mira, lope, casi tenía olvidada del todo la película de Shame que me pareció bastante aburrida y hueca, lo contrario de Redencion (Tyrannosaur) que carga con una tristeza y una dureza tremenda, llevo todo el día con ella en la cabeza.

Feve escribió:pues mira, lope, casi tenía olvidada del todo la película de Shame que me pareció bastante aburrida y hueca, lo contrario de Redencion (Tyrannosaur) que carga con una tristeza y una dureza tremenda, llevo todo el día con ella en la cabeza.

La vi en PdB y me llamó la atención. Ahora ya estoy decidido y la veré esta noche.

Ayer vimos



The Children's hour (Wyler, 1961)

Aprovechando que hace unos días vimos The Miracle Worker, nos lanzamos a por esta otra de Wyler y nos pareció igual de buena. Al margen de que el tratamiento de la homosexualidad pueda ser más o menos natural (el final deja un poquito que desear... ¿o no?), me parece que el juego entre verdad y mentira, la mentira que hace aparecer la verdad, la verdad insoportable, la comunidad como armario, la maldad como clima, etc. todos estos temas merecen por sí mismos un visionado atento de la peli.

gatatitania escribió:Voy a hacer trampa, porque esta no la vi ayer en casa, sino en el cine



Aprovecho la ocasión para decirle a todos los madrileños que la están reponiendo en el Verdi de Bravo Murillo. En la publicidad lo anuncian como la última oportunidad de ver la película en su formato original de 35 mm... cuando el formato original de la película es Panavisión. Da igual. Bueno: no da igual. Algo tiene de crimen el cambio de formato, pero pese a todo da gusto volver a ver esta película en sala de cine, como en los viejos tiempos. Y sí: es, una de las últimas oportunidades de ver ésta, o cualquier otra película clásica, en las viejas bobnias. Como imagino que muchos sabréis, en septiembre -sino recuerdo mal la fecha- todas las salas españolas habrán debido adaptarse al sistema digital. No voy a elogiar el pase: a la salida comentábamos que si era la última oportunidad de ver esta copia es porque probablemente se autodestruiría en 5 segundos, como en Misión Imposible, dado su estado lamentable. Pero lo cierto es que el placer de estar a oscuras en una sala de cine viendo la película compensó toda contrariedad. No puedo hablar en nombre de otros, pero yo me he formado como espectador en cines de programa doble y en los viejos cinestudios que proliferaron en Madrid de los años setenta y ochenta. Las copias, con frecuencia, eran lamentables, pero no me importaba si la película me enganchaba. Por supuesto, si puedo ver una copia en el mejor estado posible, mejor que mejor. Pero no soy un obseso de las remasterizaciones -a veces hechas a trancas y barrancas, sometiendo la iluminación de original de la película a una tortura de sobrexposición luminosa metalizada- y puedo disfrutar de una buena película aunque la copia no sea perfecta.

En fin: que fue un placer. De la película no voy a decir nada nuevo. Me abrsorbió desde el primer hasta el último fotograma. Desde esa primera secuencia en la que aparece un plano del mar, luego entra en barco despacito, cruza la pantalla despacito, y luego seguimos viendo el mar, sin más... hasta el plano final de Tadziu en el mar con el brazo extendido. Es la tercera vez que la veo y lo que sí me dejó hecho cisco fue constatar que en mi primera vez con Muerte en Venecia, hace ya muchos años, Gustav von Assenbach me pareció un anciano decrépito y ahora... ¡me he dado cuenta con pavor de que debía tener mi edad, año más año menos! No semos naide

Según imdb:

Runtime 2 hr 10 min (130 min)
Sound Mix Mono
Color Color (Technicolor)
Aspect Ratio 2.35 : 1
Film Length 3.688 m
Negative Format 35 mm
Cinematographic Process Panavision (anamorphic)
Printed Film Format 35 mm

O sea, que el formato en Panavision, como bien dices, pero también 35mm.; una cosa no invalida la otra, el proceso de Panavision utiliza negativo en 35mm, comprimiendo anamórficamente. ¿Quizás querías decir que la proyección no fue en 2.35:1?

Por otro lado, la peli, magnífica; a ver si saco tiempo y la vuelvo a ver.

Ayer pasé una tarde de aventuras:




Guardaba un buen recuerdo de la película.
A mi prole le encantó.

Juramentado escribió: ¿Quizás querías decir que la proyección no fue en 2.35:1?

La verdad es que jamás me he manejado bien con lo de los formatos. Toda mi capacidad a este respecto se limita a la intuición y a percibir si en los pases televisios -o en los de los vhs- habían recortado el cinemascope... Me refería a que se anunciaba en 35 mm y luego vi que estaba rodada en Panavisión, pero no sabía que fueran términos compatibles. Y, la verdad, es que no noté que la copia estuviera "mutilada".

Kima escribió:Guardaba un buen recuerdo de la película.

Hace tiempo que la vi, pero en su momento me pareció una excelente película de aventuras que no debío funcionar todo lo bien que pretendían los productores porque recuerdo que tenía un final trampa tras los títulos de crédito que aventuraba una secuela que nunca llegó...

Yo ayer vi:



¡Peazo caja kleenex que cayó casi entera! Un drama familiar "a-lo-Disney-pero-sin-ser-de-Disney", para llorar a moco tendido, al que quizás un director un poco más hábil le hubiera sacado aún más partido lacrímogeno. Ideal para desatascar al nariz en tiempos de alergia. Eso sí: lo pasé pipa

Ayer vi FRIENDS WITH KIDS (2011), PELI INDI ESCITA, DIRIGIDA Y PROTAGONIZADA POR JENIFER ANDLSTON (no se si lo he escrito bien del todo), una comedia políticamente incorrecta en principio ya que su tema va de lo insoportables que son los nenes y nenas de 0 a 2 años aprox. y como pueden llegar a destruir un matrimonio o una pareja. Los diálogos son buenos - con algún guiño a Woody Allen - aunque invariablemente procaces. Hay momentos que incluso parecen resucitar viejas proclamas de rancia izquierda como HIJOS SI MARIDOS NO O VIVA EL AMOR LIBRE. Pero esto es USA y la peli, producida por Mike Nichols, en sus 10 minustos finales reconducira previsiblemente a todos los personajes al buen camino. Con todo, creo que el film deja buen sabor de boca y se aleja de las comedias adolescentes con subnormales o de la escatología de Judd Appatow y cia.

Respecto a lo que habéis escrito en los últimos comentarios que he leído, estoy más o menos de acuerdo. Eso si: con un desaforado entusiasmo (zooms incluídos) por "Muerte en Venecia", obvio tratándose de un viscontiano acérrimo como yo, y una discrepancia. Voy a ver si os convenzo - que va a ser que no - de lo buena que es "Shame":

STEVE MCQUEEN (A no confundir con el actor eh….)

HUNGER (2010) Y SHAME (2011)

NUESTRO CUERPO Y ¿NUESTRA ALMA?

Existe un cine consciente de su pasado y de un espectador que ya conoce los procesos, y otro cine que se acomoda en el subrayado. El plano de la conversación entre el preso del IRA y el sacerdote es, quizás, el más recordado del debut cinematográfico (Hunger) de Steve McQueen, por su extensión no manipulada, por su voluntad de recordarnos que los trayectos existen, por dar cuerpo al cambio, por restaurar el valor del cuerpo. Porque negar y detallar la elipsis son opciones equivalentes, contrapuestas al hecho de manipularla: erotismo y pornografía son las cunetas de lo que entendemos por cine, aisladas por el punto de corte.

La búsqueda de la pureza artística que perseguía Hunger en su infinidad de planos largos y su extrema sensorialidad se ve, en parte, relegada al tratamiento de guion en Shame. La música, como único arte puro (desreferenciado) encuentra eco en el porno, cuyo abuso de primeros planos se acerca a ratos al tratamiento visual que proponía McQueen en Hunger, mientras que Shame aborda procesos, primeros planos y sensorialidad de una manera más diegética, afianzado en un desarrollo que pierde fuelle a medida que avanza el metraje, siendo la aclamada escena del New York New York la más recordada en un film donde, ahora sí, representa una ruptura: Si en Hunger nos quería hacer conscientes del proceso, en Shame nos hace partícipes de su manipulación.

Por eso el ‘full frontal’ de Fassbender cobra una vital significación, una vigorosa presencia que reposiciona el tránsito al mostrar su cuerpo desnudo sin que el sexo sea el detonante. Qué triste es ver vagar un cuerpo desnudo… nos hicieron creer que todo es propósito… y las miradas perdieron su magia…La escena de la interpretación de 'New York New York' de Carey Mulligan representa una relevante ruptura por parte de McQueen: si en 'Hunger' nos quería hacer conscientes del proceso, en 'Shame' nos hace partícipes de su manipulación. El ambiente marcadamente enfermizo que rodea al protagonista de Shame se ve trastocado por la luminosa humanidad de su hermana, forzada inquilina en las perfectas matemáticas del personaje de Michael Fassbender. Ella, pura negación del avance, oda al estatismo, enfrentada al sistema de logros de su hermano: el conflicto entre la tijera y la elipsis. McQueen subraya el punto de giro, abraza el ¿posmodernismo? y emparenta su apuesta con el Involuntary de Ruben Östlund y el Once de John Carney, con el maravilloso cine de accidentes. Así cobran sentido las mutaciones estilísticas que llevan de Hunger a Shame, planos detalle del cambio en el que McQueen cree y de los que habla no solo a través de sino también con la cámara. Y, entonces, llegan los puntos de fuga.

La escena donde Carey Mulligan canta el New York New York se erige (como la de la conversación en Hunger) en catalizador y bisagra para la antesala de la destrucción del cuerpo, siendo McQueen ese niño del que Víctor Hugo decía que, “al destrozar su juguete, parecía estar buscándole el alma”. El director británico niega la posibilidad de mostrar el alma en los trayectos del cuerpo, por eso en ambas propuestas destruye los procesos para intentar acercarse a esencias sin acudir a adjetivos ni verbos: Aristóteles y la pornografía. Y entonces los cuerpos pierden su lugar en ‘the city that neves sleeps’, porque vuelven a ser conscientes de ellos mismos, de sus automatismos y de su fragilidad, y el contexto se convierte en negación, en hostilidad.

Ahora los largos travellings que siguen al protagonista se antojan una persecución. El estatismo que antes bastaba para los propósitos requiere ahora de movimiento, de reposicionar el encuadre, de abordar los primeros planos que anulan el cuerpo. Porque el deseo, en Shame, no está en la mirada, sino en la mano de la chica refugiándose en la entrepierna, y ante esa asepsia son siempre las lágrimas las que nos recuerdan que hay vida tras el escaparate. Desarrollos contrapuestos en Hunger y Shame para retratar el humanismo inherente en la obra de McQueen, comprometido activista en retratar la unidad de cuerpo y alma.

Por eso el pacato e hiperbólico clímax cobra sentido cuando la misma opción vista en Hunger sirve aquí para redefinir a su protagonista. Hunger era un retrato sobre la relación con nuestro cuerpo, mientras Shame lo es de la relación de nuestro cuerpo con el mundo: arquitectura y sangre. Así, la destrucción de cuerpos en Shame supone una suerte de vasos comunicantes que, no por obvios, dejan de ser menos coherentes. No está el interés de McQueen en retratar el modelo de hombre encerrado en la productividad, sino en mostrar la posibilidad del tránsito, en la ruptura del contexto, en la sutura bressoniana. Somos parte de enunciados que hemos aprendido a leer en diagonal para, con ello, olvidar qué significa la vergüenza: la elipsis como estilo de vida.

LuisB

Los tres mosqueteros (1922). Poco afortunada parodia de la protagonizada por Douglas Fairbanks el año anterior (y que tampoco es la mejor adaptación del clásico de Dumas). Prescindible.
El gran vals (1938). Un espectáculo de decorados, vestuario y música, con multitud de gorgoritos a cargo de la cantaora Miliza Korjus. Como película histórica/biográfica, o simplemente como película narrativa, no pasa la prueba.
Tarde de toros (1956). Tal y como la recordaba. Una magnífica película coral, bien escrita y dirigida... en que la faena cubre un tercio del metraje (a todas luces excesivo, guste o no la fiesta nacional).
Pitfall (1962). Una buena historia perdida en el sopor de la realización de Teshigahara, uno de los chicos mimados de Criterion. Reservada a sus incondicionales.
Entrada de artistas (1938). Distraidillo triángulo amoroso ambientada en el mundo del teatro. Aunque encabeza el reparto, Louis Jouvet sólo aparece en tres o cuatro escenas.
La búsqueda (2005). Un pequeño desastre, lastrado por continuas traducciones chino-japonés e innecesaria voz en off.
The Love of Jeanne Ney (1927). Quizá la silente que más me gusta de Pabst, lo cual no es decir mucho porque (incluso las más famosas) me parecen pesadas y artificiales.
Nobody's Daughter (1976). Un clásico del cine húngaro y, probablemente, la niña que más sufre de toda la historia del cine. Excesivamente naturalista para mi gusto, pero decididamente inolvidable.
Tizoc. Amor indio (1957). Ismael Rodríguez, Pedro Infante y María Félix hacen temer lo peor, sin embargo funciona tanto a nivel argumental (choque de razas) como visual (color y scope)... hasta el acto final (demasiados muertos).
The Matador (2005). Comedia sin gracia que juega con la imagen fílmica de Pierce Brosnan y poco más.
El ángel negro (1938). Película de estudio completamente rutinaria, a no ser por ver a Margaret Sullivan en un personaje caprichoso y frívolo.
A Drifting Story (1960). Woman's picture made in Korea, estupendo melodrama que, desgraciadamente, decae en su media hora final. Recuerda, salvando las distancias, a "Nubes flotantes". Mi ego cinéfilo se regocijó especialmente por reconocer (!) al actor protagonista ("Piagol", "The Housemaid", "Mother and a Guest", "Stray Bullet").
Piel de asno (1970). El cuento de Perrault al estilo Demy (caballos pintados de rojo y cosas por el estilo ).
A Slight Case of Murder (1938). Comedia criminal bastante teatral y nada ágil. Lloyd Bacon hizo cosas mucho mejores.

caramba, PREACHER, pues sí que te ha dado tiempo a ti ayer a ver películas

Las últimas tres películas que he visto han gustado más bien poco.

Comienzo por la que más me ha gustado. Se trata de una revisión, al hilo de las listas sobre mejores pelis de Buñuel. Nunca me pareció una gran película, pero le di otra oportunidad.



Él (Buñuel, 1953)

No soporto el machismo autocomplaciente que transpira. Las interpretaciones me siguen pareciendo de culebrón. Y lo peor, el "toque" buñuel (zapatos, iglesias, etc.). En fin, otra vez será.

Al hilo de haber visto The Miracle Worker (Penn, 1962), me lancé al visionado de Habla mudita (Gutiérrez Aragón, 1973).



Todo el potencial de la película -el poder de la palabra, el locus amoenus, civilización/salvajismo, etc.- se arruínan con escenas-pegote, interpretaciones de pena y, lo que es peor, uso de la tortura y muerte de animales. Borrada queda del disco duro y espero que de mi memoria.

Y ayer vimos



Reconozco que el cine de Saura me interesa hasta 1981. Hay buenas películas en ese periodo (La caza, La prima Angélica, Cría cuervos). Pero Elisa, vida mía es un rollo de cuidado. Saura intentando ser Bergman durante un par de horas y cambiando Farö por Segovia. Y lo peor de lo peor (no aprendo): la confirmación que Geraldine Chaplin es no mala, malísima actriz.