Xcéntrico

Puntuación
Sin
puntuar

Cine experimental online

A la vanguardia de las vanguardias.

Moderador: loperena

Responder
Avatar de Usuario
loperena
 
Mensajes: 2556
Registrado: 02 Oct 2012, 23:01
Agradecido : 306 veces
Agradecimiento recibido: 750 veces

Xcéntrico

Mensaje por loperena » 11 Feb 2020, 17:29

Con la finalidad de enriquecer el rinconcito de cine experimental, se me ha ocurrido abrir este hilo donde los usuarios interesados en este "género" o "concepción" del cine, puedan publicar aquellos materiales que estimen interesantes.
Las condiciones serían las siguientes.

- Que se trate de producciones de corte experimental, vanguardista, underground o como se desee denominar
- A ser posible que cada publicación consista en un pequeño monográfico de un director o artista concreto
- Que el material esté disponible en plataformas de video online (youtube, vimeo...)

Abro yo mismo el hilo con la obra de

PETER KUBELKA

Imagen
Peter Kubelka (1934) es un cineasta austriaco, autor únicamente de 6 piezas en 16 mm que en conjunto no llega a una hora de cine. En 22 años de trabajo.

Adebar (1957)

https://www.youtube.com/watch?v=1S0aoQQxzwk%22%3Ehttps://www.youtube.com/watch?v=1S0aoQQxzwk
El logro de Kubelka es que ha llevado el montaje soviético un paso más allá. Mientras Eisenstein usaba las tomas como unidades básicas y las editaba juntas en un patrón para crear significados, Kubelka ha vuelto al fotograma individual como la esencia del cine. El hecho de que una película proyectada consista en 24 imágenes fijas por segundo sirve de base para su arte.<br/>

Esta idea tiene diferentes materializaciones en diferentes películas de Kubelka. En Adebar, solo se utilizan ciertas longitudes de disparo (13, 26 y 52 fotogramas) y el material se combina de acuerdo con ciertas reglas. Por ejemplo, hay una alternancia constante entre positivo y negativo. Las imágenes de la película son tomas en blanco y negro de figuras de baile con un contraste extremadamente alto; las imágenes se reducen a sus elementos esenciales en blanco y negro para que puedan usarse en una construcción casi terriblemente precisa de imagen, movimiento y sonido repetido.

(Fred Camper)

Schwechater (1958)

https://www.youtube.com/watch?v=cy78LNZFMIE%22%3Ehttps://www.youtube.com/watch?v=cy78LNZFMIE
En 1957, Peter Kubelka fue contratado para hacer un corto comercial de cerveza Scwechater. La compañía cervecera indudablemente pensó que estaban encargando una película que los ayudaría a vender sus cervezas; Kubelka tenía otras ideas. Filmó su película con una cámara que ni siquiera tenía un espectador, simplemente apuntando en la dirección general de la acción. Luego tardó muchos meses en editar sus imágenes, mientras que la empresa se enfureció y exigió un producto terminado. Finalmente, presentó una película, de 90 segundos de duración, que presentaba un corte extremadamente rápido (corte en los límites de la percepción de la mayoría de los espectadores) entre imágenes borradas casi hasta el punto de abstracción, en blanco y negro positivo y negativo y con tinte rojo - de personas poco visibles bebiendo cerveza y de la espuma de cerveza vista en un patrón completamente abstracto. Es posible que este "comercial" no haya vendido cerveza en los veinte años desde que se hizo, pero yo (como alguien que odia la cerveza) tengo claro que si alguna vez estoy en Austria, beberé un poco de Swechater, en homenaje a lo que considero uno de los minutos de cine más intensos, puros y perfectos que alguien haya logrado jamás.

(Fred Camper)

Arnulf Rainer (1960)

https://www.youtube.com/watch?v=Uj-_WhYf-Wg%22%3Ehttps://www.youtube.com/watch?v=Uj-_WhYf-Wg
Las imágenes de Arnulf Rainer son las "más reducida" de todas: esta es una película compuesta enteramente de cuadros de negro sólido y blanco sólido que Kubelka une en longitudes de hasta 24 segundos y tan cortas como un solo cuadro. Cuando alterna entre cuadros individuales en blanco y negro, se produce un efecto de parpadeo rápido, que es lo más cercano que Kubelka puede llegar al parpadeo algo más rápido de la proyección de películas; Durante los largos tramos de oscuridad, uno espera con nerviosa anticipación a que regrese el parpadeo, sin saber exactamente qué forma tomará. Pero Arnulf Rainer no es simplemente un estudio del ritmo y el parpadeo de la película. Al reducir el cine a lo esencial, Kubelka no lo ha despojado de significado, sino que ha creado un objeto que tiene cualidades tan generales como para sugerir una variedad de significados posibles, cada uno tocando algún aspecto esencial de la existencia.

Unsere Afrikareise (1966)

https://www.youtube.com/watch?v=XgdlCqrVEuE%22%3Ehttps://www.youtube.com/watch?v=XgdlCqrVEuE
¡La película más reciente de Kubelka antes de Pause! es Unsere Afrikareise, cuyas imágenes son "registros" relativamente convencionales de un viaje de caza en África. El tiroteo registra múltiples sistemas: cazadores blancos, nativos, animales, objetos naturales, edificios, de una manera que preserva la individualidad de cada uno. Al mismo tiempo, la edición de sonido e imagen pone estos sistemas en comparación y colisión, produciendo un complejo de múltiples significados, declaraciones, ironías ...

No conozco otro cine como este. La máxima precisión, incluso la fijeza, que las películas de Kubelka logran los libera para convertirse en objetos que tienen algo de la complejidad de la naturaleza misma, pero son películas de naturaleza refinada y definida, que se convierten en una serie de relaciones. Esos momentos raros y milagrosos en la naturaleza cuando los rayos del sol se alinean precisamente con el borde de una roca o el espacio entre dos edificios, o cuando un patrón en la arena o en las nubes de repente parece tener algún otro aspecto, animal o humano, son paralelo a eventos individuales de una película de Kubelka. Toda la película está forjada a partir de tantas precisiones con una compresión extática posible solo en el cine.<br/>

Fred Camper
https://www.youtube.com/watch?v=fC2c-AJGKtM%22%3Ehttps://www.youtube.com/watch?v=fC2c-AJGKtM

Pause! (1977)
Su triunfo es realmente cuádruple. Primer triunfo: ¡Pausa! Es un trabajo extático. Segundo triunfo: con la perfección e intensidad de su trabajo, disolvió las expectativas crecientes de la audiencia que habían crecido de proporciones normales durante los diez años de espera. Nos permitió recibir su nuevo trabajo en su desnudez recién nacida. Tercer triunfo: su disolución de Arnulf Rainer. El propio Arnulf Rainer es un artista de originalidad e intensidad únicas. Su arte facial, que constituye la fuente de imágenes en Pause!, es un capítulo del arte moderno en sí. Tengo una aversión particular a los cineastas que utilizan a otros artistas y su arte como materiales de sus películas. Estas películas nunca trascienden sus fuentes. Durante las primeras imágenes de Pause! Tuve un miedo existencial. Kubelka tuvo que consumir y trascender no solo a Arnulf Rainer sino también, y esto constituye su cuarto triunfo, para trascender todo el género del arte contemporáneo conocido como arte facial. Algunas imágenes más, y mi corazón se recuperó y saltó a la emoción: tanto Rainer como Art se desintegraron y se convirtieron en moléculas, marcos de movimientos y expresiones, material a disposición de la Musa del Cine. No digo esto para disminuir la persona y el arte de Arnulf Rainer: su propia grandeza no puede ser disuelta, en su arte. Pero aquí hablamos sobre el arte de Peter Kubelka, y en un mundo de arte, como en los cielos de la tierra, solo hay un Dios y Creador.

(Jonas Mekas)

Avatar de Usuario
Monsieur Lange
 
Mensajes: 4554
Registrado: 13 Sep 2012, 19:39
Ubicación: Cruzando las dunas
Agradecido : 1326 veces
Agradecimiento recibido: 1512 veces

Re: Xcèntrico

Mensaje por Monsieur Lange » 12 Feb 2020, 00:49

¿Tienen que ser necesariamente enlaces a youtube o Vimeo?.
Yo tengo material, pero son avis y matroskas de varias páginas y blogs.
"Adaptar no es recalentar la comida"
Alain Resnais

Avatar de Usuario
loperena
 
Mensajes: 2556
Registrado: 02 Oct 2012, 23:01
Agradecido : 306 veces
Agradecimiento recibido: 750 veces

Re: Xcèntrico

Mensaje por loperena » 12 Feb 2020, 10:33

Monsieur Lange escribió:
12 Feb 2020, 00:49
¿Tienen que ser necesariamente enlaces a youtube o Vimeo?.
Yo tengo material, pero son avis y matroskas de varias páginas y blogs.
Es que en ese caso sería mejor publicar el material en el apartado de Experimental. Estoy pensando más bien en material directamente accesible (aunque la calidad no sea siempre la idónea).

Avatar de Usuario
loperena
 
Mensajes: 2556
Registrado: 02 Oct 2012, 23:01
Agradecido : 306 veces
Agradecimiento recibido: 750 veces

Re: Xcéntrico

Mensaje por loperena » 15 Feb 2020, 21:10

BILL MORRISON

Imagen

Bill Morrison (1965) es un director de cine norteamericano. A menudo ha colaborado con compositores y músicos contemporáneos. Es conocido por Decasia (2002) que fue seleccionada por la Biblioteca del Congreso para su Registro Nacional de Películas (formado por aquellas películas -775 en total- que son consideradas significativas cultural, histórica o estéticamente. Unos de los reyes indiscutibles del found footage.

City Walk (1999)

https://vimeo.com/118031815

Lost Avenues (1990)

https://www.youtube.com/watch?v=77Yu8t3nRMI

Photo Op (1992)

https://www.youtube.com/watch?v=e2O-nD8xgRc

Footprints (1992)

https://vimeo.com/132174930

Nemo (1995)

https://vimeo.com/132180425

Ghost Trip (2001)

https://vimeo.com/30715052

Light Is Calling (2004)

https://www.youtube.com/watch?v=yx0HzBiaVn4

Outerborough (2005)

https://vimeo.com/41096007

Porch (2006)

https://vimeo.com/92205286

The Highwater Trilogy (2006)

https://vimeo.com/channels/160378/92178860

Who by Water (2007)

https://vimeo.com/48669901

Every Stop on the F Train

https://vimeo.com/107015665

Release (2010)

https://vimeo.com/38540558

Just ancient Loops (2012)

https://www.youtube.com/watch?v=EV9Z5nxi1Mc

Re:Awakenings (2013)

https://www.youtube.com/watch?v=kmHRVBUZlBE

The Dockworker's Dream (Bill Morrison, 2016)

https://www.youtube.com/watch?v=QQTYc9Uf9WE

Avatar de Usuario
loperena
 
Mensajes: 2556
Registrado: 02 Oct 2012, 23:01
Agradecido : 306 veces
Agradecimiento recibido: 750 veces

Re: Xcéntrico

Mensaje por loperena » 16 Feb 2020, 17:21

MAYA DEREN

Imagen
Maya Deren (1917-1961) fue una cineasta de origen ucraniano que desarrolló su carrera artística en Estados Unidos. Es considerada una pionera en el cine vanguardista norteamericano. Su figura ha sido reivindicada desde múltiples frentes como el feminismo, el surrealismo, la psicología del inconsciente, etc.

Meshes of the Afternoon (1943)

https://www.youtube.com/watch?v=ihQurg4xGcI

At Land (1944)

https://www.youtube.com/watch?v=EvafmE3Lel0

A Study in Choreography for Camera (1945)

https://www.youtube.com/watch?v=3A3caYPlnk8

Ritual in Transfigured Time (1946)

https://www.youtube.com/watch?v=0IG5K65gkTU

The Private Life of a Cat (1947)

https://www.youtube.com/watch?v=_6e1O_NtK24

Meditation on Violence (1948)

https://www.youtube.com/watch?v=dIDRMb6YxxM

The Very Eye of Night (1952-55)

https://vimeo.com/308298692

The Witches' Cradle (1943)

https://www.youtube.com/watch?v=XbBZqp_owiA

Ensemble for Somnambulists (1951)

https://www.youtube.com/watch?v=qyWxo6BlA9Q

Divine Horsemen: The Living Gods of Haiti (1947-1951)

https://www.youtube.com/watch?v=8j8plpTr0Zw

Agnes Obel: Dorian

https://www.youtube.com/watch?v=wZN1HKn3Qus

Avatar de Usuario
loperena
 
Mensajes: 2556
Registrado: 02 Oct 2012, 23:01
Agradecido : 306 veces
Agradecimiento recibido: 750 veces

Re: Xcéntrico

Mensaje por loperena » 19 Feb 2020, 18:48

KENNETH ANGER

Imagen
Kenneth Anger (1927) es un cineasta norteamericano etiquetado a menudo como queer, sadomasoquista, nazi, ocultista... Conectado con entidades como Jimmy Page, Mariane Faithful, Aleister Crowley, la Iglesia de Satán... Una buena pieza.
La periferia del cine, hogar de los vanguardistas y experimentadores, puede ser un lugar desalentador. ¿No hay trama? ¿No hay diálogo? Incluso las palabras solas, vanguardistas, experimentales, pueden evocar la imagen de cinéfilos que se acarician la barba boquiabiertos en las instalaciones de pantalla dividida.

Sin embargo, el trabajo de Kenneth Anger, el intrépido cineasta underground que se codeó con todos, desde Mick Jagger y Jean Cocteau hasta el sexólogo Alfred Kinsey y el fundador de la Iglesia de Satanás, Anton LaVey, pronto disipa el estereotipo. Su trabajo te atrapa por el cuello, con destellos confrontativos de esvásticas y calaveras, y orgías gay iluminando la pantalla. Combina la iconografía del mal con referencias a la cultura pop y la sexualidad masculina.

Ver estas películas es sentir que te has topado con las grabaciones secretas de un culto clandestino. Son atrevidas, peligrosas y no puedes apartar los ojos de ellas.

https://www.bfi.org.uk/news-opinion/new ... neth-anger

Missoni (2010)

https://www.youtube.com/watch?v=P0_ChZ2FIK0

Brush of Baphomet (2009)

https://www.youtube.com/watch?v=6fKBRzgXrH4

My Surfing Lucifer (2009)

https://vimeo.com/131131591

Anger sees Red (2004)

https://www.dailymotion.com/video/xojlt

Mouse Heaven (2004)

https://vimeo.com/202624719

The Man We Want to Hang (2002)

https://www.youtube.com/watch?v=CbWMFuNJ610

Don't Smoke That Cigarette (1999)

https://www.youtube.com/watch?v=JNvejw_paKU

Lucifer Rising (1972)

https://www.youtube.com/watch?v=3Z-sGg6bW7U

Kustom Kar Kommandos (1970)

https://www.youtube.com/watch?v=cW7Dk4z2oiQ

Invocation of My Demon Brother (1969)

https://www.youtube.com/watch?v=lMeqKCVJ3cA

Scorpio Rising (1963)

https://www.youtube.com/watch?v=GDuu-m0-IjQ

Inauguration of the Pleasure Dome (1954)

https://www.youtube.com/watch?v=IgnRr170ERM

Eaux d'artifice (1953)

https://www.youtube.com/watch?v=yUO6Q9RQPG0

Rabbit's Moon (1950)

https://www.youtube.com/watch?v=SUj9dwktLRw

Puce Moment (1949)

https://www.youtube.com/watch?v=bw31ZAhHkaQ

Fireworks (1949)

https://www.youtube.com/watch?v=MLDQ59wbQuY

Avatar de Usuario
loperena
 
Mensajes: 2556
Registrado: 02 Oct 2012, 23:01
Agradecido : 306 veces
Agradecimiento recibido: 750 veces

Re: Xcéntrico

Mensaje por loperena » 22 Feb 2020, 19:00

HOLLIS FRAMPTON

Imagen
Las películas de Hollis Frampton son un reflejo de su prodigiosa capacidad de erudición y de su amplio abanico de intereses, que incluye las lenguas clásicas, la filosofía, las matemáticas y la historia del cine, así como todos los campos que se fueron acumulando en su evolución artística desde la poesía, pasando por la fotografía, hasta el cine experimental. En la obra de Frampton, el lenguaje es a la vez motivo y agente, y la tensión entre palabra e imagen constituye la fuerza motriz de la mayoría de sus películas más conseguidas. Asimismo, la combinación de imágenes fijas y en movimiento -una relación paradójica que constituye la esencia del cine y es particularmente relevante para la práctica artística contemporánea, en la que intervienen el vídeo y la fotografía- se explora continuamente en las películas de Frampton y se pone al servicio de un constante e inquisitivo planteamiento sobre la naturaleza fundamentalmente disyuntiva de la experiencia y la percepción, en consonancia con la creencia de Frampton que el cine es una «metáfora de la conciencia».

Frampton no se dedicó al cine hasta que tuvo cerca de 30 años. Estudió idiomas y literatura, y su primera aspiración era convertirse en poeta, pero un breve periodo juvenil junto a Ezra Pound le llevó a abandonar la poesía. En Nueva York, al final de los años cincuenta, mostró interés primero por la fotografia, antes de iniciarse en el mundo del cine a mediados de los sesenta. En esta ciudad se sumergió en los movimientos artísticos de la vanguardia contemporánea del momento. Los elogios de la crítica sobre su primer largometraje, Zorn Lemma, lo situaron como uno de los principales exponentes del cine experimental norteamericano, y una serie de ensayos teóricos y críticos de los años setenta sobre cine y fotografía confirmaron esta posición, al presentar una mezcla de erudición, inteligencia y humor irónico. Durante los años setenta, Frampton trabajó casi exclusivamente en su última e inacabada película épica, Magellan, antes de morir de un cáncer de pulmón en 1984.

Incluso las primeras películas de Frampton ya rehuían la narrativa y adoptaban sistemas basados ​​en disciplinas como las matemáticas y la lingüística, para sus estructuras organizativas. A menudo, sus películas también evitan las capacidades ilusionistas tradicionales del medio, a favor de sus aspectos físicos y mecánicos, como se demuestra cuando Frampton araña, empalma, tiñe el celuloide o dibuja encima. Este enfoque de la manera de hacer cine hizo que Frampton fuera clasi fi cado como uno de los cineastas estructuralistas, un movimiento que incluía directores como Paul Sharits, Ernie Gehr y Tony Conrad. Sin embargo, las películas de Frampton -incansablemente eclécticas, activas, autobiogràfi as y líricamente poéticas- se resisten a la simple catalogación, y su grado de complejidad es tan alto, que todo intento de síntesis es un ataque a la experiencia fílmica propiamente dicha. Pero, a pesar de su complejidad intelectual, las películas de Frampton consiguen alcanzar una poesía visual que sólo el cine puede ofrecer.

Fuente: MACBA

Los 60 (I)
Las primeras películas de Hollis Frampton que se conservan -unos cuantos de los filmes más antiguos se perdieron o destruirlo muestran enseguida la radicalidad de su aproximación al medio y, al mismo tiempo, indican claramente la dirección que tomarían sus películas posteriores, mucho más elaboradas. Process Red, States y Maxwell 's Demon rehuyen las técnicas narrativas tradicionales y se basan en sistemas y conceptos adoptados de la ciencia y las matemáticas para sus complejas estructuras. En Heterodyne y Information, la manipulación física de la misma película en el proceso de edición es tan extrema -el celuloide es arañado, teñido, perforado, empalmado, etc.- que en su forma final es prácticamente un objeto «hecho a mano». En Manual of Arms, Snowblind y Surface Tension, actuaciones coreografiadas filmadas de artistas, poetas y bailarines como Carl Andre, Twyla Tharp, Michael Snow y Kasper König, reflejan la vida personal de Frampton y su implicación en la escena vanguardista de la ciudad de Nueva York de aquella época. Y en todo ello, el inquisitivo planteamiento filosófico de Frampton sobre la capacidad específica de la película para reflejar las paradojas y disonancias de la percepción y la experiencia resulta siempre evidente. Como dijo Frampton mismo en 1966: «Tengo la sensación de ir a toda brida.»

Manual of Arms (1966, 17', b/n, sin sonido)

https://www.youtube.com/watch?v=PPQE5fgphAE

Process Red (1966, 3' 30'', color, sin sonido)

https://www.youtube.com/watch?v=qwTRfM8zSoA

Information (1966, 4', b/n, sin sonido)

https://www.youtube.com/watch?v=BdqPC-dIHUM

States (1967-1970, 17' 30'', b/n, sin sonido)

https://www.youtube.com/watch?v=eNYeB5hUqDM

Heterodyne (1967, 7', color, sin sonido)

https://www.youtube.com/watch?v=KI2e0w8LEVs

Snowblind (1968, 5' 30'', b/n, sin sonido)

https://www.youtube.com/watch?v=S3GYYmIWQHQ

Maxwell's Demon (1968, 4', color, sin sonido)

https://www.youtube.com/watch?v=ACEJ1yXaV6g

Surface Tension (1968, 10', color, sonido)

https://www.youtube.com/watch?v=6U6A-bjeMh4


Los 60 (II)
En 1969, Frampton completó seis películas que representan tanto una fluida continuación de sus primeros trabajos como una anticipación de los que vendrían. A Palindrome, Works and Days y Lemon, Frampton explora los principios artísticos compartidos de la evolución artística de la vanguardia contemporánea en danza, pintura y escultura. A Prince Ruperts Drops, Frampton avanza en su estudio de la paradoja fundamental subyacente al medio de las imágenes «en movimiento», mientras que Artificial Light y Carrots and Peas marcan una profundización de su exploración de los mecanismos que entrelazan la acción de hacer películas y la acción de visionarlas. En conjunto, las películas de los años sesenta representarían lo que Bruce Jenkins, especialista en Frampton, calificó como el periodo «precrítico» del cineasta: el período durante el cual Frampton estableció los principios en que se basarían los trabajos más importantes de el inicio de los años setenta.

Palindrome (1969, 22', color, sin sonido)

https://www.youtube.com/watch?v=I71DAROs6Og

Carrots & Peas (1969, 5' 30'', color, sonido)

https://www.youtube.com/watch?v=5iQG7b7MLG8

Lemon (1969, 7' 30'', color, sin sonido)

https://www.youtube.com/watch?v=6gnz1pIy6l4

Prince Ruperts Drops (1969, 7', color, sense sonido)

https://www.youtube.com/watch?v=lo2bd3KA1sg

Works and Day (1969, 12', b/n, sense sonido)

Artificial Light (1969, 25', color, sin sonido)

https://www.youtube.com/watch?v=T25WqM6OFDg


Zorn Lemma
El primer trabajo de larga duración de Frampton, Zorn Lemma, es considerado, en general, su obra maestra. La película hace una síntesis acertada de las diversas inquietudes intelectuales de Frampton -matemáticas, filosofía presocrática, lingüística, autobiografía- en una singular experiencia audiovisual de 60 minutos: más que ninguna otra película, nos muestra el concienzudo estudio que hace Frampton de la relación ontológica entre lenguaje e imagen. El filme se inspira en la teoría matemática de los conjuntos para el concepto en que se basa, como también para el título, y está dividida en tres partes: la primera consiste únicamente en una banda sonora de voces que recitan las reglas mnemotécnicas de un manual de ortografía de una escuela de secundaria; la parte muda central es una secuencia construida métricamente y ordenada alfabéticamente de imágenes de palabras encontradas en paisajes urbanos de Nueva York, que son sistemáticamente reemplazadas por una sucesión de imágenes sin palabras, generalmente obtenidas de la naturaleza y las actividades de la vida cotidiana , y la tercera parte muestra un hombre y una mujer que desaparecen en un paisaje nevado, mientras que la banda sonora emite un disonante coro de voces femeninas que recitan un texto medieval en latín sobre la naturaleza de la luz. Y, con toda esta intelectualizada complejidad al estilo de una fuga musical, el lenguaje visual es poético hasta llegar al lirismo, lo que genera un atractivo e incluso hipnotizador tour de force que, en palabras del crítico de cine P. Adams Sitney, «es del todo único en su género».

Zorns Lemma (1970, 60 min, sonido)

https://www.youtube.com/watch?v=y-MPQFMMr9Q


Hapax Legomena (I)
Tras la aclamada crítica obtenida por Zorn Lemma, Frampton se dedicó a proyectos cada vez más ambiciosos de películas de varias partes, como Hapax Legomena (el título es un término filológico griego que se refiere a palabras que sólo aparecen una vez en la literatura griega existente). En su totalidad, Hapax Legomena consiste en siete películas independientes, que en conjunto duran casi tres horas y media de tiempo de pantalla. Las tres primeras películas de la serie, Nostalgia, Poetic Justice y Critical Mass, son las que tienen una orientación más lingüística. Nostalgia -una de las películas más populares y más consideradas de Frampton- muestra una secuencia de fotografías fijas que se queman en un fogón. A medida que se quema cada foto, una voz de la banda sonora comenta la fotografía siguiente de la secuencia, con lo cual se crea un entramado de discordancias: entre palabra e imagen, entre fotos fijas e imágenes en movimiento, y entre pasado, presente y futuro. La imaginería fílmica de Poetic Justice consiste, literalmente, en lenguaje escrito; la película muestra la acumulación de las páginas de un guión cinematográfico manuscrito que describe otra película narrativa que el espectador / lector debe imaginar. Y Critical Mass retrata un hombre y una mujer en medio de una agria pelea doméstica, mientras sus voces a la banda sonora tartamudean y se repiten, ligeramente desincronizadas, de manera tan tortuosamente obstinada como la misma discusión

Nostalgia (1971, 36', b/n, sonido)

https://criticalcommons.org/view?m=AiYfLSKkB

Poetic Justice (1972, 31' 30'', b/n, sin sonido)

https://www.youtube.com/watch?v=-rIXtiz_yhQ

Critical Mass (1971, 25' 30'', b/n, sonido)

https://www.youtube.com/watch?v=q8g-Pf36Hxw
https://www.youtube.com/watch?v=R3OdHwGb-jU
https://www.youtube.com/watch?v=LY7mSHCkvhQ1


Hapax Legomena (II)
Las últimas películas de la secuencia de siete partes de Hapax Legomena, aunque conservan en buena medida el vocabulario de trabajos anteriores de Frampton, marcan un cambio de rumbo en su práctica fílmica, hacia un aumento de la fluidez y la ambigüedad. Travelling Matter es la primera experiencia de Frampton con el vídeo y, en consonancia con la movilidad del medio, se estructura por completo alrededor del movimiento al aire libre. Ordinary Matter continúa con el motivo del movimiento, pero con un alcance más amplio, a través de continentes y a través de la historia, desde Stonehenge, pasando por el puente de Brooklyn, hasta un campo de maíz; mientras tanto la voz de Frampton en la banda sonora recita entradas de un diccionario chino. Remote Control (inicialmente un vídeo) utiliza un imaginario televisivo muy editado y manipulado según unas estructuras matemáticas: Frampton mismo lo llamó «un resumen barroco de los conflictos internos históricos de la película». Y la semiabstracta Special Effects muestra otro caso del estudio que sigue haciendo Frampton de la naturaleza de los elementos del encuadre, y una intensificación de la intención de Frampton de incrementar la participación de los espectadores.

Travelling Matter (1971, 33' 30'', b/n, sin sonido)

Ordinary Matter (1972, 36', b/n, sonido)

https://www.youtube.com/watch?v=L6gAPy79SPo

Remote Control ([Control remot] 1972, 29', b/n, sin sonido)

Special Effects (1972, 10' 30'', b/n, sonido)


Solariumagelani
La última actividad fílmica de Frampton se dedicó casi en exclusiva a una ingente obra épica titulada Magellan. Aunque no se acabó, Magellan debía estar constituida por casi 36 horas de película y se tenía que proyectar a lo largo de 371 días: debía ser, según Frampton, «la película más larga de la historia ». La mayor parte de Magellan consiste en cortos de un minuto, aunque los momentos cruciales en el calendario solar -los solsticios y los equinoccis- debían ser conmemorados con películas más largas, tres de ellas terminadas cuando Frampton murió. Filmadas en lugares de trabajo -una granja lechera, un matadero y un molino de acero-, el movimiento de la cámara, rápido y coreografiado, tiende hacia la abstracción pictórica. Al mismo tiempo, con su seguimiento de los ciclos del nacimiento y de la muerte, así como de la evolución histórica en la tecnología y en el arte, forman parte de la constante reconstrucción que hace Frampton de una historia alternativa del cine.

Autumnal Equinox (1974, 27', color, sin sonido)

https://www.youtube.com/watch?v=9RtyGGI07Qw

Winter Solstice (1974, 33', color, sin sonido)

https://www.youtube.com/watch?v=9A4R_E_BjnM

Summer Solstice (1974, 32', color, sin sonido)

https://www.youtube.com/watch?v=kHItcnpMgtw


Magellan: At the Gates of Death
The Red Gate y The Green Gate siguen 24 encuentros con la muerte en forma de estudios fílmicos de cadáveres y partes de cuerpos. Estas películas se caracterizan por un movimiento incesante e incluso obsesivo, ya que la cámara bascula, hace zooms y desenfoca de manera intencionada las imágenes. Como en los primeros trabajos de Frampton, las películas se manipulan físicamente en el proceso de edición para crear un complejo entramado de varios estratos de imaginario que a menudo se aventura a adentrarse en la abstracción. Aunque inicialmente el material de Red Gate y The Green Gate se pensó para mezclarlo con el ciclo de proyección de Magellan a lo largo de todo un año, en su último recoge como obras independientes proporcionan una poderosa exhibición complementaria del singular estilo de virtuosismo cinematográfico de Frampton.

The Red Gate (1976, 54', color, sin sonido)
The Green Gate (1976, 52', color, sin sonido)

Avatar de Usuario
loperena
 
Mensajes: 2556
Registrado: 02 Oct 2012, 23:01
Agradecido : 306 veces
Agradecimiento recibido: 750 veces

Re: Xcéntrico

Mensaje por loperena » 05 Mar 2020, 18:35

JOSEPH CORNELL

Imagen

Joseph Cornell, artista plástico del siglo XX, realizó un cine humilde y discreto como una prolongación de su oficio. Un verdadero poeta de lo cotidiano, de las cosas simples, del film antiarte. Su obra es la esencia de la película hecha en casa. Hablan de cosas que tenemos muy cerca, de cada día y de todos los días. Pequeñas cosas, en definitiva. (Xcèntric)

The midnight party (1965)

https://www.youtube.com/watch?v=zhrolnhPo-s

A legend for fountains (1957)

https://www.youtube.com/watch?v=0eJ5Xz-yLtw

Angel (1957)

https://www.youtube.com/watch?v=npol_Y-expQ

Nymphlight (1957)

https://www.youtube.com/watch?v=8Dgw_Lqa_zk

The wonder ring (1955)

https://www.youtube.com/watch?v=uD7uqs4y7tQ

Centuries of June (1955)

https://www.youtube.com/watch?v=b0CGnK45aeU

Gnir Rednow (1955)

https://www.youtube.com/watch?v=gvArGkPbtr8

The Aviary (1954)

https://www.youtube.com/watch?v=8Pq3_FPkMrA

By Night With Torch and Spear (1942)

https://www.youtube.com/watch?v=owmnlc6AhE4

The midnight party (1938)

https://www.youtube.com/watch?v=zhrolnhPo-s

Bookstalls (1938)

https://www.dailymotion.com/video/x4mfwf3

Jacks Dream (1938)

https://www.youtube.com/watch?v=qLxwJ24-tr4

Rose Hobart (1936)

https://www.youtube.com/watch?v=xCTve7oML5w

Avatar de Usuario
MonsieurHulot
 
Mensajes: 280
Registrado: 07 Nov 2014, 20:27
Agradecido : 295 veces
Agradecimiento recibido: 661 veces

Re: Xcéntrico

Mensaje por MonsieurHulot » 24 Mar 2020, 18:22

Acabo de descubrir ahora este hilo. Me interesa muchísimo, mil gracias por el material recopilado.

Responder

Volver a “Cine Experimental & Underground”